Le Fond du Tiroir

Les fantômes existent.
Il n’est pas de jour où, à la faveur d’un souvenir, au gré d’un éclairage, à la surprise d’une musique, au hasard d’un rêve ou d’une rêverie, l’un d’eux ne surgisse devant nous, mieux armé que la sinistre Minerve, déesse des raisonneurs.
Ces illusions, ces erreurs, ces apparences sont aussi vraies, aussi réelles et même plus que le monde matériel auquel la civilisation européenne prétend borner la vie. Nés pour nous, par la grâce de la lumière et du celluloïd, des fantômes autoritaires s’assoient à notre côté, dans la nuit des salles de cinéma.
Le film s’achève. L’électricité renaît. La vie, au sens vulgaire du mot, va-t-elle reprendre ses droits prétendus par l’usage et la loi ? Non. Le fantôme sort de la salle, au bras du spectateur, dans une ville transformée par l’imagination. Le destin suit un autre cours.

Robert Desnos, Puissance des fantômes

Le cinéma m’émeut. Peut-être est-ce la forme d’art qui m’émeut le plus, celle qui m’apparaît la plus en phase avec la vie, la mort, et la mélancolie entre les deux, parce qu’elle est elle-même entre la vie et la mort, elle parle des morts aux vivants et, peut-être, réciproquement.

Apparition et mouvement : le cinéma est par essence l’art des fantômes, d’autres l’ont dit et mieux que moi, Desnos ci-dessus, Derrida, Clélia et Éric Zernik… Il paraît que le carton le plus célèbre du cinéma muet est « Passé le pont, les fantômes vinrent à sa rencontre » (Nosferatu, Murnau, 1922). Bien évidemment, le pont en question est le cinéma lui-même. Le fond étant la forme remontée à la surface (Victor Hugo), tout beau film est un film de fantômes et vice-versa.
(Incidemment : le dernier film de fantômes que j’ai vu, l’un de ces films dont on se dit que le cinéma a été inventé pour eux, est Au cœur des volcans, requiem pour Katia et Maurice Krafft de Werner Herzog, qui contient quelques unes des plus époustouflantes images que j’ai jamais vues sur un écran, et où les fantômes traqués jusqu’à l’ultime image sont les deux Krafft, bien sûr).

Pour les mêmes raisons, j’aime la salle de cinéma elle-même, aussi sûrement qu’un pont lieu de rencontres surnaturelles, et j’aime les cinémas fantômes : les cinémas fermés, désaffectés, en ruines, sont les lieux les plus hantés que je puisse imaginer. Il s’en est tant passé en leur dense obscurité !

En mars 2024, à quelques rues de chez moi, le cinéma Rex de Grenoble (spot historique où eu lieu la première séance de cinéma grenobloise en 1896) a définitivement fermé ses portes. Une ou deux saisons plus tard, il a bradé quelques uns de ses fauteuils. J’en ai acheté un et l’ai installé chez moi, certes par pur fétichisme, par clin d’œil à ce que pourrait être vraiment et fantomatiquement le home cinema, mais aussi par respect pour l’objet, pour ce qu’il représente d’émotions, par dévotion à tous les fantômes, ceux qui s’étaient assis sur lui comme ceux qui avait traversé l’écran d’en face. J’ai désormais un fantôme familier.

Et puis je l’ai fait customiser, ce fauteuil. Ça branlait dans le manche : lui qui autrefois tenait debout par rangée entière avait tout seul besoin d’un socle solide et lourd pour assurer son assise. J’ai fait appel aux services d’un mien cousin, magicien de ses dix doigts et orfèvre de la ferronnerie : Sébastien Roux. Comme il est un peu artiste en plus d’être pleinement artisan, il m’a dit : « Tu ne veux pas que je le décore, ton socle de fauteuil ? Que je le dessine ? Choisis ton motif… »
J’ai trop longtemps réfléchi, et lorsque je lui ai finalement suggéré d’inscrire sur ce socle le simple mot SILENCIO (David Lynch venait de disparaître, je ne pouvais pas trouver meilleure façon de concentrer en quelques signes ce que sont les fantômes du cinéma), il avait déjà commencé à découper une autre décoration : ce socle rond serait une bobine de cinéma, vintage, argentique, technologie devenue fantôme à son tour… On peut constater sur les photos ci-dessus qu’il a habilement réussi à cumuler son idée et la mienne. Chapeau.

Autre histoire, quoique déjà et toujours la même. En 2011, j’étais en résidence à Troyes et j’avais publié sur ce blog la photo d’un fantôme : la devanture du cinéma l’Alhambra, salle née en 1922 (l’année de Nosferatu) et morte en 2004.

Ce fantôme-ci s’était estompé dans ma mémoire lorsque, l’an dernier, les frères Warren & Steven Lambert ont traversé le pont à ma rencontre, au sujet de cette vieille photo. Comme leur nom me disait quelque chose, j’ai vérifié sur Google : ah, oui, ça me revient, Warren Lambert est l’auteur de Tropique du Splendid, essai sur la France des Bronzés, intrépide pamphlet contre l’humour du Splendid, contre cet esprit vachard dont les saillies prolifèrent en clins d’oeil dans nos conversations triviales (c’est cela, oui, etc.) mais dont l’auteur démasquait le rôle de rouleau compresseur soft power, sarcasme cynique, manifestation du mépris de classe (toujours adressé au faible, jamais au fort) ayant précédé et accompagné la révolution conservatrice, ayant préparé le terrain pour Sarkozy et Macron. Voilà un livre qui n’a pas peur de se faire des ennemis.

Mais les frères Lambert toquaient à ma porte pour tout autre chose : ils lancent leurs maison d’édition, consacrée au cinéma, qu’ils baptisent Alhambra Editions. Littéralement, Château rouge : ce terme arabe qui désignait le palais des rois maures à Grenade, est le nom d’innombrables cinémas encore en activité (L’Alhambra est le cinéma de Robert Guédiguian à l’Estaque, par exemple) ou bien devenus ectoplasmes, tel celui de Troyes. Or les Warren souhaitent utiliser ma fameuse photo de 2011 en guise de quatrième de couve de leur premier livre à paraître. Quels gentlemen de me demander l’autorisation ! Eussent-ils utilisé la photo sans m’en parler, qui l’aurait su ? Certainement pas moi ! En échange de ma dérisoire contribution, ils promettent de m’envoyer un exemplaire… Et je trouve aujourd’hui dans ma boîte la promesse tenue. Elle est magnifique et passionnante.

Le livre s’appelle Des lettres d’amour dans les banques, et il s’agit de la retranscription de trois conférences données en 2004 au Japon par le cinéaste portugais Pedro Costa. Je suis emballé et convaincu dès la première page, quasiment la première ligne, où Costa, courtois, rend hommage au pays qui l’accueille (même si tout le monde sait depuis Godard que le cinéma c’est plutôt un pays en plus) :

Plus que reconnaître, on peut connaître les choses par le cinéma. [Oui !] Moi, par exemple, j’aimais et je connaissais plein de choses du Japon sans y être jamais venu auparavant. Je connaissais le Japon des films grâce aux trois cinéastes que j’aime le plus, c’est-à-dire Mizoguchi, Ozu et Naruse.

Suit un éloge d’Ozu et je bois ce petit lait, moi qui nourris pour lui une passion, puis des considérations sur le cinéma en tant principe d’enregistrement de ce qui disparaît sous nos yeux :

C’est une donnée historique basique : le premier film [la sortie des usines Lumière], la première photo [selon Costa, la première photo publiée dans la presse serait celle des cadavres des Communards dans leurs cercueils en 1871], ce sont des choses terribles. Ce ne sont pas des histoires d’amour, mais d’inquiétude. C’est quelqu’un qui a pris une caméra pour réfléchir, pour penser et pour interroger. Il y a pour moi dans ce geste, qui peut être le désir de faire un film ou de faire une photo, ou aujourd’hui une vidéo, quelque chose de très fort, quelque chose qui vous dit : « N’oubliez pas. N’oubliez pas que vous êtes humains et mortels. »

N’oubliez pas que vous êtes des fantômes, ou que vous le serez bientôt.

Ensuite, à l’avenant, des dizaines de pages de sensibilité et d’intelligence, revenues de loin, d’un Portugais au Japon. Merci et longue vie aux éditions de l’Alhambra. La séance se termine par les bandes annonces : juste avant ma modeste photo en quatre de couve, les titres annoncés à paraître sont très alléchants, dont un signé par Monsieur Merde, cette infâme créature, perpétuellement intruse et sauvage et qui possède, à la manière d’un esprit frappeur, Denis Lavant.

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Addendum 21 juin 2025

Vu ce soir le fort beau The Life of Chuck de Mike Flanagan – dont le chef d’oeuvre, au fait, The haunting of Hill House, abonde dans le sens de ce qui précède à propos des liens serrés entre cinéma et fantômes ; celui-ci aussi, certes, mais seulement à la marge, ou plutôt dans le grenier.

Je salue l’intelligence de la bande annonce qui ne déflorait absolument rien de la construction de Life of Chuck, alors même que la construction en est l’atout majeur, en concentre et révèle le sens lui-même : voilà un pur film de scénario et de montage. Ce qui fait que je suis entré vierge dans la salle, comme si je n’avais pas vu la bande-annonce, sans avoir le moindre indice sur ce qu’est ce film.

Maintenant que je sais, que je suis capable de définir ce qu’est ce film, je pourrais dire, sans trop divulgâcher : Life of Chuck est une version « feel good » de Mulholland Drive de Lynch. (Voire, dans sa première partie, une version « feel good » de Melancholia de Lars Von Trier, mais c’est tout de même avec Mulholland Drive que le parallèle est le plus fécond.)

J’emploie « feel good » sans condescendance ni volonté de débiner : il n’y a pas de mal à se faire du bien…

Le point commun de ces deux films qui sont des labyrinthes mentaux avec jeux de miroirs, c’est que le personnage principal exprime une ambition de carrière artistique (dans le cinéma pour l’un, avec hommage à Rita Hayworth : Gilda / dans la danse pour l’autre, avec hommage à Gene Kelly ET Rita Hayworth : Cover Girl/La reine de Broadway), rêve qui tourne court et se fracasse contre le réel.
Or dans la version « feel bad » (Mulholland Drive) la frustration tourne à l’obsession, au morbide et à la mort ; dans la version « feel good » (Life of Chuck) la frustration est métabolisée par le personnage, et la leçon morale du film est : « Pas grave, tu n’as pas fait carrière, la vie est belle quand même ». La leçon morale n’est jamais ce qu’il y a de mieux dans un film…

Toute l’histoire de l’art depuis cent ans
peut être étudiée du point de vue du schisme qui s’y établit
entre fidèles de Courbet et ennemis de Courbet. (…)
La bataille pour Courbet, la bataille pour le réalisme,
fait éclater cette vérité, qu’il n’y a pas deux choses distinctes,
l’histoire et l’histoire de l’art, qu’il n’y a que l’histoire.

Louis Aragon, L’exemple de Courbet

Trilogie Un peintre en musique(s) – 3 (création 2025)

Gustave Courbet, géant de la peinture aux yeux (encore) plus grands que le ventre, a toujours été en décalage, plus moderne que son époque ou, peut-être, que la nôtre.
Jamais consensuel, on l’a dit scandaleux, humaniste, vulgaire, socialiste, orgueilleux, violent, prétentieux, outrancier, radical, provocateur, obscène, libre…
Il était surtout pétri de contradictions : paysan de Paris, féministe misogyne, matérialiste athée saisi d’élans mystiques, égocentrique obsédé du bien commun, âpre au gain et infiniment généreux, solitaire en perpétuelle quête de reconnaissance, ne jurant que par la révolution de l’art mais s’engageant dans la Commune de Paris, persuadé que l’art ne s’enseigne pas mais ouvrant un atelier pédagogique, profondément français mais plaidant pour la création des États-Unis d’Europe en pleine guerre franco-allemande, né trop tard pour le romantisme et mort trop tôt pour l’impressionnisme…
Une seule chose réconcilie ces paradoxes : Courbet ne fut peut-être rien d’autre que peintre, passionné.

“Je n’ai jamais eu d’autres maîtres que la Nature, et mon sentiment.”

Notre spectacle, entrelaçant les toiles de Courbet, le récit de sa vie et les musiques de son temps, entre mélodies romantiques et chansons de la Commune, vient conclure une trilogie d’art, de musique et de politique débutée avec « Goya : démons et merveilles“ et poursuivie avec ”Chagall : l’ange à la fenêtre ».

Christine Antoine : violon
Bernard Commandeur : arrangements et piano
Fabrice Vigne : texte et voix

Durée approximative : 1h20

– Biographie des artistes –

Christine Antoine, violon
Christine Antoine a fait ses études au CNR de Grenoble, dans un cursus complet couronné de plusieurs prix, dont celui de violon dans la classe de C. Munch. Elle se perfectionne à Paris auprès de Jean Lenert pendant 5 ans, puis entre à l’orchestre des Pays de Savoie. Après deux années avec de grands chefs, comme Patrice Fontanarosa, Tibor Varga ou Reinhart Goebel, elle se passionne pour la musique ancienne et entre au Conservatoire de Genève. Là, elle se confronte à la technique du violon baroque avec Chiara Banchini, Odile Édouard, Gabriel Garrido, Enrico Gatti, les frères Hantaî, Jaap Schrôder. Après son Diplôme mention très bien de musique ancienne, c’est tout naturellement qu’elle collabore avec divers ensembles baroques comme Ad Fontès (Allemagne), Swiss Consort (Genève) Anachronismes (Valence), l’Hôtel-Dieu (Lyon), Acorte Musicale (Lausanne). On peut l’entendre au Festival d’Ambronay, Royaumont, Sylvanès, Mont-Blanc, Jean de la Fontaine, souvent en duo avec la claveciniste Irène Assayag.
Elle fonde en 2007 l’ensemble « Le Jardin Musical » qui promeut la musique ancienne et la musique contemporaine. Titulaire du C.A de violon, elle est actuellement professeur au Conservatoire d’Eybens et dirige l’orchestre symphonique « OSE ! » ainsi que le chœur « Vox Clamans ».

Bernard Commandeur, arrangements et piano
Bernard Commandeur a eu un parcours musical diversifié: comme pianiste il a été l’élève d’Aldo Ciccolini au Conservatoire supérieur de Musique de Paris; comme chef d’orchestre il a travaillé avec Pierre Dervaux à l’Ecole Normale de Musique de Paris. Il est licencié en Philosophie de la faculté de Nanterre. Intéressé par toutes les formes de pratique musicale, il a composé des œuvres de styles contrastés: des mélodies pour voix et piano sur des poèmes de Prévert et Lorca ; Rap pour voix d’ados , cordes et saxophones ; des gingles pour diverses formations ; TANGONORA , pièce chorégraphique pour 6 instruments. APPELLATION CONTRÔLEE est sa 1ère musique de film publicitaire pour les « Côtes du Ventoux » qui a fait l’objet d’un prix. Il a écrit de nombreux arrangements pour différents spectacles. Il a été professeur de piano, puis directeur des Conservatoires de La Rochelle, Grenoble et Valence.

Fabrice Vigne, texte et voix
Fabrice Vigne est écrivain. Son premier roman, intitulé TS, paraît en 2003 aux éditions l’Ampoule. Une vingtaine de titres suivront, les plus remarqués en édition jeunesse (Les Giètes, éditions Thierry-Magnier, prix du livre Rhône-Alpes 2008). En 2008 il dilapide ses revenus littéraires dans une structure d’auto-édition, Le Fond du Tiroir, où il invente librement et confidentiellement des livres avec divers artistes. Dernier titre paru : La théorie de la compote, éditions l’Atelier du Poisson Soluble, 2023. L’écriture lui est indispensable mais, exercice solitaire et de longue haleine, elle ne lui suffit pas. Aussi, il s’adonne aux arts de la scène, plus immédiats et plus collectifs : il est comédien, conteur, musicien, et conçoit divers spectacles soit à partir de ses propres textes, soit à partir d’autres. Il est en outre président d’un label de musique (MusTraDem). Parmi ses fertiles collaborations avec des musiciens, il co-anime régulièrement des ateliers d’écriture de chansons avec l’autrice-compositrice-interprète Marie Mazille. Dans le civil, il est également, parfois, bibliothécaire.

Programme de salle, verso (clic droit pour agrandir) :

Programme de salle, recto (clic droit pour agrandir) :

Malgré tous les ennuis de notre monde, je n’ai jamais abandonné dans mon cœur l’amour dans lequel j’étais élevé ou l’espoir de l’homme dans l’amour. Dans la vie, comme sur la palette de l’artiste, il n’y a qu’une seule couleur qui donne un sens à la vie et à l’art : la couleur de l’amour.

Marc Chagall

Trilogie Un peintre en musique(s) – 2 (création 2023)

La biographie de Marc Chagall (1887-1985) est un voyage. Né au sein d’une famille juive dans un shtetl de Biélorussie, il fait ses études à Saint-Pétersbourg et dès 1910 rejoint Paris, alors capitale mondiale des arts.
Il retourne en Russie pour participer à la Révolution et sera même promu « commissaire aux beaux-arts » de la jeune URSS, avant de fuir définitivement son pays natal pour Berlin, les USA, le Brésil…
La dernière partie de sa vie s’ancre en France, qui reste son pays de cœur.

Nous évoquerons ses pérégrinations, son art et son époque, en mêlant le récit biographique, les images projetées… et bien entendu la musique, si présente dans son œuvre, avec un répertoire dominé par la musique russe mais s’autorisant, comme lui-même, des détours par le klezmer, la musique française du début du XXe siècle, et même l’opéra : l’une des dernières grandes œuvres de Chagall n’est-elle pas la fresque au plafond de l’opéra Garnier à Paris ?

Christine Antoine : violon
Bernard Commandeur : arrangements et piano
Fabrice Vigne : texte et voix

Durée approximative : 1h20

– Biographie des artistes –

Christine Antoine, violon
Christine Antoine a fait ses études au CNR de Grenoble, dans un cursus complet couronné de plusieurs prix, dont celui de violon dans la classe de C. Munch. Elle se perfectionne à Paris auprès de Jean Lenert pendant 5 ans, puis entre à l’orchestre des Pays de Savoie. Après deux années avec de grands chefs, comme Patrice Fontanarosa, Tibor Varga ou Reinhart Goebel, elle se passionne pour la musique ancienne et entre au Conservatoire de Genève. Là, elle se confronte à la technique du violon baroque avec Chiara Banchini, Odile Édouard, Gabriel Garrido, Enrico Gatti, les frères Hantaî, Jaap Schrôder. Après son Diplôme mention très bien de musique ancienne, c’est tout naturellement qu’elle collabore avec divers ensembles baroques comme Ad Fontès (Allemagne), Swiss Consort (Genève) Anachronismes (Valence), l’Hôtel-Dieu (Lyon), Acorte Musicale (Lausanne). On peut l’entendre au Festival d’Ambronay, Royaumont, Sylvanès, Mont-Blanc, Jean de la Fontaine, souvent en duo avec la claveciniste Irène Assayag.
Elle fonde en 2007 l’ensemble « Le Jardin Musical » qui promeut la musique ancienne et la musique contemporaine. Titulaire du C.A de violon, elle est actuellement professeur au Conservatoire d’Eybens et dirige l’orchestre symphonique « OSE ! » ainsi que le chœur « Vox Clamans ».

Bernard Commandeur, arrangements et piano
Bernard Commandeur a eu un parcours musical diversifié: comme pianiste il a été l’élève d’Aldo Ciccolini au Conservatoire supérieur de Musique de Paris; comme chef d’orchestre il a travaillé avec Pierre Dervaux à l’Ecole Normale de Musique de Paris. Il est licencié en Philosophie de la faculté de Nanterre. Intéressé par toutes les formes de pratique musicale, il a composé des œuvres de styles contrastés: des mélodies pour voix et piano sur des poèmes de Prévert et Lorca ; Rap pour voix d’ados , cordes et saxophones ; des gingles pour diverses formations ; TANGONORA , pièce chorégraphique pour 6 instruments. APPELLATION CONTRÔLEE est sa 1ère musique de film publicitaire pour les « Côtes du Ventoux » qui a fait l’objet d’un prix. Il a écrit de nombreux arrangements pour différents spectacles. Il a été professeur de piano, puis directeur des Conservatoires de La Rochelle, Grenoble et Valence.

Fabrice Vigne, texte et voix
Fabrice Vigne est écrivain. Son premier roman, intitulé TS, paraît en 2003 aux éditions l’Ampoule. Une vingtaine de titres suivront, les plus remarqués en édition jeunesse (Les Giètes, éditions Thierry-Magnier, prix du livre Rhône-Alpes 2008). En 2008 il dilapide ses revenus littéraires dans une structure d’auto-édition, Le Fond du Tiroir, où il invente librement et confidentiellement des livres avec divers artistes. Dernier titre paru : La théorie de la compote, éditions l’Atelier du Poisson Soluble, 2023. L’écriture lui est indispensable mais, exercice solitaire et de longue haleine, elle ne lui suffit pas. Aussi, il s’adonne aux arts de la scène, plus immédiats et plus collectifs : il est comédien, conteur, musicien, et conçoit divers spectacles soit à partir de ses propres textes, soit à partir d’autres. Il est en outre président d’un label de musique (MusTraDem). Parmi ses fertiles collaborations avec des musiciens, il co-anime régulièrement des ateliers d’écriture de chansons avec l’autrice-compositrice-interprète Marie Mazille. Dans le civil, il est également, parfois, bibliothécaire.

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Affiche :

Ensuite [après Goya], commence la peinture moderne.

André Malraux, Saturne, le destin, l’art et Goya

Trilogie Un peintre en musique(s) – 1 (création 2022)

Espagne, crépuscule du XVIIIe siècle.
L’époque regorge de splendeurs et d’horreurs. De fastes et de guerres. D’or et de sang. D’illusions et de désillusions. De rêves autant que de cauchemars.
Un homme, familier de la cour puis paria, a tout vu de son temps, tout absorbé et tout sublimé dans sa peinture.
Il s’appelle Francisco de Goya.
Ses tableaux, qu’ils soient nés d’une commande au grand jour ou bien d’une recherche secrète et cachée, mais également ses gravures, les Caprices et les Désastres de la guerre, sont autant de témoignages sur une époque tourmentée, mais aussi sur un inconscient collectif qui est encore le nôtre :

« Le sommeil de la raison engendre des monstres… »

Au fil de ce spectacle, la vie, l’œuvre et l’époque de Goya (1746-1828) sont évoquées à la fois par le récit, par les images, et par la musique, sur une partition espagnole et latino-américaine.

Christine Antoine : violon
Bernard Commandeur : arrangements et piano
Fabrice Vigne : texte et voix

Durée approximative : 1h20

– Coupure de presse, journal Les Affiches, 2023 –

– Biographie des artistes –

Christine Antoine, violon
Christine Antoine a fait ses études au CNR de Grenoble, dans un cursus complet couronné de plusieurs prix, dont celui de violon dans la classe de C. Munch. Elle se perfectionne à Paris auprès de Jean Lenert pendant 5 ans, puis entre à l’orchestre des Pays de Savoie. Après deux années avec de grands chefs, comme Patrice Fontanarosa, Tibor Varga ou Reinhart Goebel, elle se passionne pour la musique ancienne et entre au Conservatoire de Genève. Là, elle se confronte à la technique du violon baroque avec Chiara Banchini, Odile Édouard, Gabriel Garrido, Enrico Gatti, les frères Hantaî, Jaap Schrôder. Après son Diplôme mention très bien de musique ancienne, c’est tout naturellement qu’elle collabore avec divers ensembles baroques comme Ad Fontès (Allemagne), Swiss Consort (Genève) Anachronismes (Valence), l’Hôtel-Dieu (Lyon), Acorte Musicale (Lausanne). On peut l’entendre au Festival d’Ambronay, Royaumont, Sylvanès, Mont-Blanc, Jean de la Fontaine, souvent en duo avec la claveciniste Irène Assayag.
Elle fonde en 2007 l’ensemble « Le Jardin Musical » qui promeut la musique ancienne et la musique contemporaine. Titulaire du C.A de violon, elle est actuellement professeur au Conservatoire d’Eybens et dirige l’orchestre symphonique « OSE ! » ainsi que le chœur « Vox Clamans ».

Bernard Commandeur, arrangements et piano
Bernard Commandeur a eu un parcours musical diversifié: comme pianiste il a été l’élève d’Aldo Ciccolini au Conservatoire supérieur de Musique de Paris; comme chef d’orchestre il a travaillé avec Pierre Dervaux à l’Ecole Normale de Musique de Paris. Il est licencié en Philosophie de la faculté de Nanterre. Intéressé par toutes les formes de pratique musicale, il a composé des œuvres de styles contrastés: des mélodies pour voix et piano sur des poèmes de Prévert et Lorca ; Rap pour voix d’ados , cordes et saxophones ; des gingles pour diverses formations ; TANGONORA , pièce chorégraphique pour 6 instruments. APPELLATION CONTRÔLEE est sa 1ère musique de film publicitaire pour les « Côtes du Ventoux » qui a fait l’objet d’un prix. Il a écrit de nombreux arrangements pour différents spectacles. Il a été professeur de piano, puis directeur des Conservatoires de La Rochelle, Grenoble et Valence.

Fabrice Vigne, texte et voix
Fabrice Vigne est écrivain. Son premier roman, intitulé TS, paraît en 2003 aux éditions l’Ampoule. Une vingtaine de titres suivront, les plus remarqués en édition jeunesse (Les Giètes, éditions Thierry-Magnier, prix du livre Rhône-Alpes 2008). En 2008 il dilapide ses revenus littéraires dans une structure d’auto-édition, Le Fond du Tiroir, où il invente librement et confidentiellement des livres avec divers artistes. Dernier titre paru : La théorie de la compote, éditions l’Atelier du Poisson Soluble, 2023. L’écriture lui est indispensable mais, exercice solitaire et de longue haleine, elle ne lui suffit pas. Aussi, il s’adonne aux arts de la scène, plus immédiats et plus collectifs : il est comédien, conteur, musicien, et conçoit divers spectacles soit à partir de ses propres textes, soit à partir d’autres. Il est en outre président d’un label de musique (MusTraDem). Parmi ses fertiles collaborations avec des musiciens, il co-anime régulièrement des ateliers d’écriture de chansons avec l’autrice-compositrice-interprète Marie Mazille. Dans le civil, il est également, parfois, bibliothécaire.

Programme de salle, verso (clic droit pour agrandir) :

Programme de salle, recto (clic droit pour agrandir) :

Toute l’histoire de l’art depuis cent ans peut être étudiée
du point de vue du schisme qui s’y établit
entre fidèles de Courbet et ennemis de Courbet. (…)
La bataille pour Courbet, la bataille pour le réalisme,
fait éclater cette vérité, qu’il n’y a pas deux choses distinctes,
l’histoire et l’histoire de l’art, qu’il n’y a que l’histoire.
Louis Aragon, L’exemple de Courbet

« Gustave Courbet : Je fais comme la lumière »
(note d’intention du spectacle)

Gustave Courbet, géant de la peinture aux yeux (encore) plus grands que le ventre, a toujours été en décalage, plus moderne que son époque ou, peut-être, que la nôtre.
Jamais consensuel, on l’a dit scandaleux, humaniste, vulgaire, socialiste, orgueilleux, violent, prétentieux, outrancier, radical, provocateur, obscène, libre…
Il était surtout pétri de contradictions : paysan de Paris, féministe misogyne, matérialiste athée saisis d’élans mystiques, égocentrique obsédé du bien commun, âpre au gain et infiniment généreux, solitaire en perpétuelle quête de reconnaissance, ne jurant que par la révolution de l’art mais s’engageant dans la Commune de Paris, persuadé que l’art ne s’enseigne pas mais ouvrant un atelier pédagogique, profondément français mais plaidant pour la création des États-Unis d’Europe en pleine guerre franco-allemande, né trop tard pour le romantisme et mort trop tôt pour l’impressionnisme…
Une seule chose réconcilie ces paradoxes : Courbet ne fut peut-être rien d’autre que peintre, passionné.

“Je n’ai jamais eu d’autres maîtres que la Nature, et mon sentiment.”

Notre spectacle, entrelaçant les toiles de Courbet, le récit de sa vie et les musiques de son temps, entre mélodies romantiques et chansons de la Commune, vient conclure une trilogie d’art, de musique et de politique débutée avec « Goya : démons et merveilles“ et poursuivie avec ”Chagall : l’ange à la fenêtre ».
Christine Antoine : violon
Bernard Commandeur : arrangements et piano
Fabrice Vigne : texte et voix. »

Sans atteindre les sommets de morgue et de fatuité de Courbet lui-même, homme le plus fier et le plus orgueilleux de France, j’avoue éprouver un enthousiasme délirant pour ce spectacle, volet le plus long, le plus politisé, et le plus personnel (personne ne s’en rendra compte, mais j’y ai copié-collé une page entière du blog du Fond du tiroir, consacrée à la Commune, et j’y récite Le Temps des cerises comme dans Les Giètes) de notre trilogie.

(Quiconque a six heures devant soi est invité à écouter la causerie d’Henri Guillemin sur la Commune.)

Représentations :
* Vendredi 27 juin, 19h, au château de Seyssins
* Samedi 28 juin, 11h, chez Mme Evelyne Reinhart, Claix (coordonnées par MP)
* Dimanche 21 septembre, deux séances : 16h & 18h (dans le cadre des journées du patrimoine), en l’église Notre-Dame des Vignes, Sassenage
… d’autres à venir.

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Addendum juillet 2025

Le spectacle a beau être enfin créé et avoir trouvé sa forme définitive (ah ah ah ah !) je ne puis m’arrêter de bûcher, je continue d’engranger compulsivement les informations sur l’affreux réaliste et communard.
Je dévore l’essai de Louis Aragon, L’exemple de Courbet (1952), excellent, malgré l’obsolescence de sa vaine et stalinienne tentative de valider une filiation problématique entre le réalisme de Courbet et le réalisme soviétique qui n’était absolument pas réaliste, mais idéaliste et idéologique, tout ce que Courbet détestait.
Je prélève et approuve l’épigraphe placée en entête du présent article.
Et aussi, je complète ma collection d’injures endurées par Courbet. Cette somme d’indignités est fascinante, y compris en tant que moteur d’un destin. Courbet s’en est longtemps régalé, avant d’en être détruit. Depuis L.-F. Céline, je ne m’étais pas passionné pour un artiste à ce point couvert de crachats, de pissats, de diarrhée.
Aragon cite ce bijou d’anthologie écrit par Alexandre Dumas fils, le jour même (quelle classe) où Courbet est déchu, à terre, emprisonné :

De quel accouplement fabuleux d’une limace et d’un paon (…) peut avoir été générée cette chose qu’on appelle Monsieur Courbet ? De quelle mixture de vin, de bière, de mucus corrosif et d’œdème flatulent a pu pousser cette courge sonore et poilue, ce ventre esthétique, incarnation du Moi imbécile et impuissant ?

Aragon commente :

Quel principe pouvait être celui de ce genre d’écrivain, sinon la haine basse, la bassesse dans l’injure ? Il y a aura longtemps qu’on ne lira plus La Dame aux camélias, que ces phrases resteront dans la mémoire des hommes à titre d’exemple de la critique bourgeoise, pour montrer jusqu’où peut descendre le porte-monnaie enragé.

Prochaine représentation : 21 septembre, 16h puis 18h en l’église Notre-Dame des Vignes, Sassenage (dans le cadre des Journées du patrimoine).

Pendant ce temps (1), rincez-vous bien l’oeil avec le tableau ci-dessous, La femme aux bas blancs (1864, Coll. de la Fondation Barnes, Philadelphie) qui NE FAIT PAS partie du spectacle puisque je ne saurais citer ni toutes les audaces, ni toutes les insultes.
Pendant ce temps (2), le précédent spectacle du trio formé par Christine Antoine, Bernard Commandeur et moi, Chagall : l’ange à la fenêtre, court toujours. Trois dates à l’automne :
samedi 20 septembre 11h au château de Valbonnais (38) ;
dimanche 21 septembre 11h à Venon (38) ;
vendredi 3 octobre 20h, à Bourg de Péage (26), salle François-Mitterrand.

Vu le dernier Mission: Impossible.
J’espère vivement que, vrai de vrai, c’est le dernier, parce que celui-ci est complètement con.
Si j’ai bien compris, l’ennemi suprême est une IA, mais pas celle qu’on croit : plutôt celle qui a écrit le scénario.
En gros : un tiers de logorrhée amphigourique incompréhensible ; un tiers d’invraisemblances, incohérences et MacGuffins divers aboutissant systématiquement aux mêmes gimmicks (on dénombre quatre ou cinq occurrences du compte à rebours égrené pendant que Tom Cruise court) ; enfin un tiers de flashbacks qui renouent maladroitement les fils de la saga (la vengeance du fils de Jim Phelps, sérieux ?) et desservent plutôt ce film-ci parce qu’on se rappelle vaguement ce qu’on avait aimé dans certains des précédents.
Une scène pourtant, je l’avoue, m’a saisi et a accompli la possible mission d’accélérer mon rythme cardiaque : celle du sous-marin. Je me suis laissé faire un instant dans mon fauteuil et y ai trouvé de l’inédit cinématographique – notamment parce qu’enfin on était dans le monde du silence, on n’avait plus à subir leurs laïus idiots.
Scène finalement métonymique, de même que les cabrioles aériennes, du problème fondamental : ce film est hors-sol.
Déconnecté, contrairement à la série d’espionnage éponyme créée en pleine guerre froide, des véritables enjeux géopolitiques contemporains.
Le seul héritage sensible que les films ont apparemment reçu de la vieille série télé si peu spectaculaire est l’absence absolue de psychologisation des protagonistes de la Mission: Impossible Force. Sauf que dans les années 60, cette froideur psychologique était un parti pris narratif très fort pour décrire des personnages professionnellement déshumanisés, menant une guerre psychologique, jouant avec les nerfs et les failles de leurs ennemis… Tandis qu’en 2025 « Ethan Hunt » n’a tout simplement aucune personnalité, aucune intériorité, aucune motivation, aucun affre, aucun affect (à part quelques principes mécaniques et dévitalisés, répétés à l’envi : « Prends soin de ton équipe », « Tu travailles pour les inconnus »), aucun passé et aucun avenir puisqu’il est identique depuis 30 ans. Il n’existe pas. Comment s’intéresser huit fois à un personnage qui n’existe pas ?
Aussi, je préfère mille fois un bon film Marvel (il en existe de mauvais, je parle ici des bons) dont l’atout a toujours été l’empathie qu’on éprouve pour les personnages, l’attachement aux paysages psychologiques qu’ils dessinent, l’identification aux aventures toutes psychiques qu’ils traversent sous couvert de métaphores surnaturelles. Ainsi, le dernier en date, Thunderbolts*, était excellent parce que son véritable sujet caché était la bipolarité, et que ce qu’il en montrait de noirceur était plus poignant que le témoignage de Nicolas Demorand.

Encore un lundi très (et bien) rempli : cinq classes à la suite, miam-miam, cette fois-ci dans une école élémentaire au Grand Lemps. Et à la fin de la journée : une chanson par classe, une bonne s’il vous plaît, bien ficelée, entraînante et intelligente, on ne bâcle jamais… Stakhanovisme créatif qui est à la fois une routine d’atelier et un miracle perpétuel, avec ma partenaire de jeu Marie Mazille.

Particularité et émerveillement du jour : les élèves de CM2 à qui nous demandions sur quel sujet ils souhaitaient composer leur chanson nous ont répondu : « Jules Ferry ». Pardon ? Vous êtes sûrs ? Bon, d’accord, va pour Jules. Quel étrange centre d’intérêt pour des enfants de 11 ans. Ces mômes très sages avaient l’air sortis d’ailleurs, d’un autre siècle peut-être, ou au minimum d’un cours de sensibilisation à la République façon hussards noirs, et nous avons écrit avec eux l’hymne de gratitude dont on lira les paroles ci-dessous.

J’avoue que j’ai trouvé rafraichissant, reposant et inespéré cet exercice politiquement correct : se souvenir fugitivement que l’école publique, gratuite, laïque, obligatoire (oui, les enfants m’ont récité l’intégralité du chapelet), la seule authentique école libre, est une bien belle invention.

Ces élèves de CM2 auront tout le reste de leur vie, ou bien de l’année scolaire, pour découvrir la complexité du monde et le côté obscur de Jules Ferry, qui était aussi un affreux idéologue du colonialisme, méritant sans aucun doute déboulonnage (« La France a le devoir de civiliser les races inférieures« , etc.).

« Merci Jules ! »

REFRAIN
L’école c’est gratuit
Depuis Jules ferry
Un siècle et demi
L’école c’est la vie

COUPLET 1
Nous en avons bien de la chance
De pouvoir passer notre enfance
Au Grand Lemps ou partout en France
Ailleurs ignorance et souffrance
Sierra Leone ou Éthiopie
Gambie Mali ou Djibouti
Et dans combien d’autres pays
Pas assez d’écoles aujourd’hui

REFRAIN

COUPLET 2
Égalité fraternité
Sans oublier la liberté
Trois mots d’amour à partager
Dans la classe ou à la récré
Égalité fraternité
Sans oublier la liberté
Trois mots d’amour à partager
Trois mots que nous allons chanter

REFRAIN

COUPLET 3
Se cultiver s’améliorer
Bien conjuguer savoir compter
Apprendre à lire et à écrire
Nager courir et convertir
Pour tous ces mots en préambule
Du matin jusqu’au crépuscule
En minuscule en majuscule
Je le dis fort comme un Hercule :
Merci Jules !

Cette nuit, j’étais dans un pays en guerre.
Je traversais une ville en ruine, j’arpentais des rues effondrées, j’escaladais des gravats sous un ciel gris. Je n’espérais pas croiser quiconque et j’étais prêt au contraire à me planquer à la moindre rencontre, attentif à tous les bruits qui d’en haut ou d’en bas précèderaient une menace. Je guettais surtout les aboiements, car je cherchais des chiens errants. J’étais censé capturer des chiens pour les transformer en chiens de guerre, c’était cela ma mission, ou mon gagne-pain, qui m’écoeurait tellement qu’au fond je n’étais pas fâché de ne débusquer aucun animal, j’accomplissais ma ronde par acquit de conscience, sans espoir. Puis je rentrais chez moi, bredouille.
Chez moi aussi, c’était gris, comme le ciel, comme la ville et comme les décombres. Dans ma cuisine, je caressais mon chat et je lui annonçais qu’il allait falloir partir, qu’on ne pouvait plus rester ici.
À peine ai-je fait mine de le saisir pour l’enfermer dans sa boîte de transport couleur bordeaux qu’il se hérisse et se met à grogner, cracher, battre l’air de ses crocs et de ses griffes. La lutte dure, mes mains sont lacérées, j’empoigne brutalement le chat tout en lui parlant gentiment et malgré ses résistances et ses pattes accrochées aux rebords, je réussis à le placer au fond de la boîte, qu’enfin je scelle en appuyant de tout mon poids sur le couvercle pendant que je fais glisser par à-coups la tirette de la fermeture Éclair le long du pourtour.
Je masse mes poignets tailladés. La crise n’est pas terminée pour autant. Le chat se démène tellement que la boîte couleur bordeaux sursaute sur le sol gris, tournoie, rampe, hurle. Je m’agenouille et, horreur, je constate à travers les trous d’aération que l’intérieur baigne dans le sang. Je me résous à libérer la pauvre bête, je fais glisser la fermeture Éclair aussi vite que je peux… Une tête de chien noir surgit. Il me fixe mais il a l’air calme. Je bredouille : « Tu… Tu es prêt à partir, maintenant ? » Il me répond en hochant la tête : « Oui ». Qu’ai-je fait, malheur à moi ? J’ai transformé mon chat en chien de guerre qui parle comme un homme.
Je me réveille.

Sac disposable pour celles qui saignent
(j’ai des teignes)

Serge Gainsbourg, Les locataires

• UN

Moi dont l’heure est globalement passée (je suis un homme blanc hétéro cisgenre de plus de 50 ans), j’ai un peu de mal à savoir si je suis déconstruit ou si ce travail-là reste à faire, j’ai des doutes dans la mesure où j’ai toujours rechigné à me construire. Dès ma plus tendre enfance et surtout ma plus rugueuse adolescence, parmi ce que l’on m’inculquait je flairais en permanence des injonctions suspectes, des loucheries discutables, notamment sur les rôles genrés (non non non, je ne veux pas jouer au foot, j’ai plutôt envie de faire un collier de perles, merci).

Quoi qu’il en soit, j’ai suivi l’an dernier une passionnante formation afin de devenir le référent VHSS (violences et harcèlements sexistes et sexuels) de la structure que j’ai l’honneur de présider, formation durant laquelle j’ai appris ou ré-appris bien des choses, en me foutant bien de savoir si les apprendre me construisait ou me déconstruisait puisqu’après tout la construction n’est pas un interrupteur on/off mais un potard réglé de 0 à 10 (voire à 11, comme dans Spinal Tap).

Parmi ces choses : il convient de garder en tête que l’énonciation de tout préjugé attribuant une caractéristique psychologique à l’un des deux sexes est toujours une assignation, par conséquent toujours une violence, Y COMPRIS SI CE PRÉJUGÉ EST POSITIF.

Par exemple. J’ai toujours tendance à partir du principe que les femmes ont nettement plus de qualités que les hommes : elles sont plus intelligentes, plus justes, plus mesurées, plus généreuses, plus spirituelles, plus courageuses… (Au fait c’est l’année de mes 18 ans que Renaud a créé sa chanson Miss Maggie sur laquelle je n’ai jamais changé d’avis : elle est géniale – même si un peu plus tôt et pareillement géniaux, Fontaine & Areski avertissaient en vain : Si vous croyez que les femmes sont moins bêtes que les hommes vous n’êtes pas encore au bout de vos peines).
Eh, bien, malgré toutes les anecdotes que je pourrais donner pour démontrer la supériorité des femmes en arguant qu’il s’agit de mon expérience, il s’agit malgré tout d’un préjugé en moi, pur et simple. Préjugé que Renaud et moi-même ferions mieux de garder pour nous. Ou de déconstruire peut-être : car des hommes, y en a des bien, et des femmes, y en a des mauvaises, ah, oui, c’est vrai. Il suffit de s’en souvenir, le temps de tourner sept fois sa langue avant de proférer.

Je réalise que dans toutes les histoires que j’ai écrites, et que j’écris encore, les filles sont plus malines, plus dégourdies que les garçons, c’est dire si les préjugés sont chevillés en moi et voilà sans doute un indice de l’état modeste de ma déconstruction.

Existe-t-il des différences réelles, profondes, objectives, entre les hommes et les femmes ? Oui, bien sûr, mais elles ne sont pas psychologiques, elles sont physiques. Pourtant, en chaque être humain, le physique induit le psychologique, la frontière est poreuse, nous sommes des corps et non des purs esprits, et ici le casse-tête commence : le sang.

Je me souviens d’un jour où je donnais mon sang, et je devisais paisiblement avec l’infirmière qui me siphonnait (avec mon consentement). Elle me dit : « Oui, ça arrive, on voit parfois des gens tourner de l’oeil. Mais ce sont pratiquement toujours des hommes. Les femmes sont plus dures à cuire lorsque le sang coule, elles ont l’habitude, elles voient leur sang couler une fois par mois, elles endurent…« 

Son argument m’a immédiatement convaincu et je l’ai répété maintes fois. Mais est-il licite ? Est-ce un préjugé ou non, fût-il positif ? Cette infirmière énonçait-elle des caractéristiques physiques ou psychologiques ?
Ah, comme c’est compliqué.
Puisque je ne trancherai pas ici, parlons plutôt d’autre chose ! Souhaitons la bienvenue au nouveau pape fraichement émoulu !
En son honneur, consultons ce que dit la Bible à propos de ce flux menstruel qui constitue une préoccupation pendant la moitié de la vie pour la moitié de l’humanité ! (soit, résultat de l’équation : les règles = 1/4 de la vie humaine)

« L’Éternel parla à Moïse et à Aaron, et dit : […] [soulignons, c’est important, que Dieu en personne nous parle]
La femme qui aura un écoulement de sang restera sept jours dans la souillure de ses règles.
Si quelqu’un la touche, il sera impur jusqu’au soir.
Tout lit sur lequel elle couchera pendant ses règles sera impur et tout objet sur lequel elle s’assiéra sera impur.
Si quelqu’un touche son lit, il lavera ses vêtements, se lavera dans l’eau et sera impur jusqu’au soir.
Si quelqu’un touche un objet sur lequel elle s’est assise, il lavera ses vêtements, se lavera dans l’eau et sera impur jusqu’au soir.
S’il y a quelque chose sur le lit ou l’objet sur lequel elle s’est assise, celui qui y touchera sera impur jusqu’au soir.
Si un homme couche avec elle, si la souillure des règles de cette femme vient sur lui, il sera impur pendant sept jours et tout lit sur lequel il couchera sera impur.
La femme qui aura un écoulement de sang pendant plusieurs jours en dehors de ses règles, ou dont les règles dureront plus que d’habitude, sera impure pendant toute la période de son écoulement, comme pendant ses règles. »
(Lévitique, 15, 9-25)

Quel incroyable tombereau de conneries ! Ces superstitieuses débilités seraient désopilantes si l’on ne se souvenait avec angoisse que de nombreuses personnes sur terre tiennent la Bible, non pour un réservoir d’histoires, un recueil de contes traditionnels diversement subtils et riches d’enseignements, mais pour un guide pratique !
Cette obsession patriarcale de l’impureté des femmes (partagée évidemment par les deux autres monothéismes, dans la Torah qui comprend le même Lévitique, et dans le Coran, sourate 2, verset 222), impureté notamment prouvée par les règles, est une source éminemment toxique de tous les préjugés genrés que nous subissons depuis 2000 ans. Il serait temps de l’assécher – je veux dire la source des préjugés, pas le sang.
En quoi le sang qui sort de nos corps serait-il autre chose que purement naturel ? (« Si vous nous piquez, ne saignerons-nous pas ? » Shakespeare, Le Marchand de Venise)

• DEUX

The Substance de Coralie Fargeat restera peut-être mon film de 2024. J’ai lu et entendu ici ou là bien des réserves, des « mais », des « tout de même », des « quel mauvais goût », des « c’est écoeurant », des « trop c’est trop ». Trop de quoi ? De sang, manifestement. C’est vrai qu’elles sont pénibles ces femmes qui saignent, elles en foutent partout, elles éclaboussent, elles ne savent pas rester à leur place, elles sont impures (voir ci-dessus).

Quant à moi je n’ai pas trouvé qu’il y avait une goutte de trop. Ce film est tout simplement ce que j’espère du cinéma. La poésie par l’image en mouvement, le choc visuel qu’on attend dans la scène suivante, qu’on désire, qu’on redoute… et qui pourtant nous prend sans qu’on l’ait vu venir, un objet à la fois unique esthétiquement et indispensable sociologiquement, mais qui pour autant ne se laissera réduire ni à son esthétique ni à sa sociologie. Double critère. Définition tellement générale de l’oeuvre d’art ou de la beauté que je pourrais affirmer aussi bien que c’est ce que je recherche dans les livres. Ou dans la vie. Alors je précise et contextualise.

* Grand A, je tente de décrire ce que j’ai compris de l’esthétique de ce film : l’excès des années 70, fondu puis moulé dans la rage (féministe, mais pas que) de 2024, pour une fable morale et punk, originale mais au fond traditionnelle, qui emprunte ses archaïsmes à Kubrick (oh cette obsession géométrique), à De Palma, mais aussi à Freaks, au Portrait de Dorian Gray, à la Métamorphose de K., ou à Cendrillon ou à n’importe quel conte qui nous avertit que l’aiguille tourne (Je suis en retard en retard dit le lapin blanc), voire à la Bible (je suis persuadé que la scène de Sue et les actionnaires dans le couloir procède de Suzanne et les vieillards et que c’est même l’origine du prénom du personnage).

* Grand B, je tente de décrire ce que j’ai compris de la sociologie de ce film : notre époque entière est dedans.Le patriarcat toujours lui éléphant couillu dans la pièce, mais aussi les mass media, l’industrie du divertissement pascalien, l’âgisme (étant d’un âge avancé, je me prends dans la figure la leçon que ce film balance dans la gueule des vieux : ne vous comparez pas aux jeunes, Y COMPRIS au jeune que vous étiez – mais la leçon est réversible car, si les vieux ont leur jeune intérieur, l’inverse est vrai aussi, implacable métaphore du film), la chirurgie esthétique, le riche business de la peur de mourir, la folie transhumaniste, le corps-marchandise des femmes – et surtout la colère. Tout ça. Plus une mèche. Boum.

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Je viens de rattraper en DVD Revenge, premier film de la réalisatrice, réalisé sept ans avant The Substance.

Les deux films forment un magistral et cohérent diptyque sur l’objectivation du corps des femmes par les hommes, qui ne peut que finir dans l’horreur et l’hémoglobine… Ce premier volet est toutefois plus simple, plus linéaire (c’est « seulement » une histoire de vengeance exécutée jusqu’au bout), plus série B, moins riche du point du vue imaginaire. Mais tout aussi abouti formellement. Images magnifiques et atroces, à la limite du soutenable, avec flots de sang bien gore, notamment grâce au CinémaScope, à la lumière, au désert, et au peyotl.
Quel dommage que Coralie Fargeat ne fasse un film que tous les sept ans – certes, entre temps elle a réalisé un épisode de The Sandman, personne ne lui reprochera de cachetonner à Hollywood pour financer ses films personnels.

• TROIS

OUIN OUIN BOOGIE
Paroles et interprétation : Chloé Delaume
Musique : Eric « Elvis » Simonet
Extrait de l’album « Sentiments Négatifs » (2024, Dokidoki Éditions)

Mon nom est cité parmi les remerciements dans le générique de fin du clip sanglant.

… alors que je n’ai rien foutu du tout, c’est uniquement parce qu’il y a quelques mois, j’ai filé une poignée d’euros en souscription pour que le tournage ait lieu. Ben franchement, tout l’honneur est pour moi, c’est moi qui remercie, voilà encore une bonne claque sur le museau des porcs. Bravo les filles !

Jack Kirby est l’un de mes artistes préférés. Archive : je lui rendais hommage ici, appelant à comparaître Blaise Pascal, Kubrick, Terrence Malick, Baudelaire, Freud et Frank Zappa, car il faut ce qu’il faut.

Kirby est un tel créateur de mondes, d’images et d’imaginaires, qu’inlassablement je suis curieux de la moindre de ses œuvres, sûr et certain que même la plus mineure, la plus contrainte, la plus oubliée, la plus anecdotique recèlera une étincelle qui allumera mon œil. Je ne suis jamais déçu.

C’est ainsi que je viens, et avec quelle joie, de mettre la main sur un lot d’une extrême bizarrerie : Devil Dinosaur, la toute dernière contribution de Kirby à l’univers Marvel (en 1978) – sachant que la toute première était Captain America (en 1940).
Kirby, juste avant, donc, de claquer la lourde, et cette fois définitivement, d’une compagnie qui l’aura pressé comme un citron durant quatre décennies sans jamais lui reconnaître aucun droit mais en lui décernant le titre honorifique et gratuit de King, n’est pas corporate pour un sou : il ne nourrit plus la moindre appétence ni pour les super-héros de la maison ni pour l’univers partagé Marvel (ce gimmick reconduit à l’identique sur écran depuis que Marvel est aussi un studio de cinéma), et cherche au contraire une niche où on lui foutra la paix, où il pourra poursuivre ses obsessions narratives et graphiques sans se faire envahir par un Spider-Man ou un Hulk au détour d’une page. C’est ainsi qu’il se (et nous) retrouve en pleine préhistoire. Mais quelle préhistoire.

Devil Dinosaur est une histoire délicieuse, impossible, saugrenue, orageuse, pop, un peu débile, un peu kitsch, mais merveilleuse, pleine de bruit, de fureur, de points d’exclamation et de Kirby krackles. L’histoire de l’amitié entre un T-Rex rouge nommé Devil, et un jeune mammifère hominidé, poilu comme un singe mais malin comme un homme, nommé Moonboy.
Les deux compères caracolent à travers les âges farouches, l’un à califourchon sur l’autre, échappant à d’innombrables dangers parmi lesquels : des ptérodactyles, des tricératops, des volcans, des tremblements de terre, des fourmis de 18 mètres (sans chapeau sur la tête), des hordes d’humain primitifs, cruels et superstitieux, des envahisseurs extra-terrestres et leurs robots tueurs… À peu près aussi stupéfiant, et scientifiquement suspect, que si l’on mixait la première séquence de 2OOI: A space Odyssey, où un proto-humain invente l’humanité en même temps que l’outil, avec Godzilla.

Rappelons qu’entre la disparition du dernier dinosaure et l’apparition du premier hominien se sont écoulés environ soixante millions d’années – mais, bah, rappelons aussi que divers précédents existent : Tumak fils de la jungle de Hal Roach père & fils, ou bien Rahan, lui-même, qui croisait aussi, croisait de temps en temps un dinosaure survivant et résiliant… Peu importe la chronologie, que sont soixante millions d’année du moment qu’on raconte une bonne histoire. Or on reconnaît une bonne histoire à ce qu’elle parle de nous.

Et, oui, Devil Dinosaur parle de nous, donne à lire un mythe fondateur qui rêve et métaphorise ce que nous sommes, ce que nous devenons en tant qu’espèce. Je prélève une page de l’épisode 6 et je prétends qu’il s’agit, sous nos yeux, ni plus ni moins de l’invention du patriarcat allié à la religion. Une brute épaisse s’approprie une femelle farouche, et explique tout en la violant que c’est parce que les esprits l’ont conduite jusqu’à lui et qu’elle n’a qu’à bien se tenir, elle n’a pas intérêt à blasphémer contre les esprits :

Traduction de mon cru :

– Si tu ne peux pas respecter ce que je suis, alors tu apprendras que je suis plus dangereuse que les monstres que nous affrontons !
– Dans ce cas tu mérites que moi, Main-de-Pierre, te donne une bonne leçon ! Viens ici !
– Voilà une femelle pleine de volonté.
– Pas touche, espèce de serpent des marais ! Sache que dans ma tribu, les femelles ne sont pas des possessions !
– Ta tribu a été exterminée ! Personne ne m’empêchera de te revendiquer pour mienne ! Ne comprends-tu donc pas ? Tu me plais ! Je te veux ! Ce sont les esprits qui nous ont réunis ! Oserais-tu les défier ?
– Les esprits t’ont peut-être parlé, mais pas à moi ! Lâche-moi !
– Fais comme elle te demande, Main-de-Pierre ! Si tu la forces à rester près de toi, tu attireras sur nous de bien sombres jours !
– La ferme, vieillard !

Saynète formidable, non ? Dire qu’à l’heure même où j’écris ceci, et comme une apogée de l’histoire débutée chez les hommes-singes hirsutes, un conclave de 133 vieux messieurs visités par les esprits est en train, au Vatican, de choisir celui qui les guidera, afin de continuer à statuer sur ce que sont les femmes et ce qu’il convient d’en faire, guettons la fumée blanche.

Et ce n’est pas tout ! Dans le même lot de vieux comics, plus exactement dans le numéro suivant Devil Dinosaur #7, je débusque un éditorial de Stan Lee tout aussi édifiant.
En 1978, Stan Lee, ex co-auteur et meilleur ennemi de Jack Kirby, n’écrivait quasiment plus de scénarios de bandes dessinées mais seulement des éditos, une chronique intitulée Stan’s soapbox insérée dans tous les fascicules Marvel, laïus autosatisfait où il faisait ce qu’il savait faire le mieux : le mariole, le vantard, le représentant de commerce qui parle de la pluie, du beau temps et de lui-même, et d’ailleurs tu tombes bien, il en a une bonne à te raconter. Sauf que pour une fois, le sujet était sérieux :

Traduction de mon cru :

Vu de ma fenêtre, le sectarisme [bigotry en VO] est l’une des diverses taches qui souillent le blason humain et devront être grattées et éradiquées si un jour nous voulons nous prétendre réellement civilisés.
Le sectarisme prend d’innombrables formes et déguisements, mais là où on le reconnaît le plus aisément c’est dans sa forme de généralisation malveillante et décervelée. Par exemple, quand vous entendez un abruti proférer « Tous les Italiens sont comme ci » ou bien « Tous les Allemands sont comme ça », ou bien « Les femmes sont toujours ceci-cela », ou bien « Tous les Noirs, ou les catholiques, ou les juifs, ou les peaux-rouges, liste non exhaustive, sont comme je te dis ! »
Eh, bien, les tarés qui s’expriment ainsi, toujours avec une intention de rabaissement, de dénigrement, ne s’en rendent sans doute même pas compte, mais ils sont ni plus ni moins des sectaires [bigots en VO]. N’importe qui doté d’un QI légèrement supérieur à celui du crétin sait fort bien que toute catégorie d’humains est forcément hétérogène. Elle comprend des bonnes personnes, des mauvaises personnes, et l’infinité des nuances entre les deux – et vous trouverez de tels spécimens parmi toutes les races, religions, formes, tailles, et sexes. Vous avez envie de détester quelqu’un ? Je vous en prie. It’s a free country. Mais faites-le parce que lui ou elle vous en a donné de sérieuses raisons, et non à cause d’une couleur de peau, une religion, un arbre généalogique, la forme de ses orteils, ou tout autre prétexte débile, confus et bas du front !

Conclusion et CQFD.

Cette planche et cet édito sont indéniablement datés. Ils ont sans doute perdu, non leur actualité, mais leur légitimité, leur intelligibilité, ringardisés qu’ils sont par le zeitgeist et par les libéro-fascistes au pouvoir en 2025, dans leur propre pays et ailleurs. Peut-être seraient-ils fired, ou canceled.
Mais réciproquement, que penserait Jack Kirby, qui en 1944 avait dû interrompre sa carrière de dessinateur pour combattre l’armée nazie en Normandie, du salut nazi d’un vice-président officieux et non élu ?
Dans les années 60 et 70, Kirby, Stan Lee et les autres, incarnaient et dispensaient via les comics Marvel un humanisme pour les masses sous enveloppe imaginaire et vivement colorée, une ouverture d’esprit archéo-woke expliquée aux enfants, un soft power tolérant et progressiste…
Leurs dessins et leurs textes constituent le témoignage exotique d’une époque où les USA méritaient parfois l’admiration. Et qui aujourd’hui peuvent être relus en tant que contraire absolu, et dans l’idéal comme antidote, de la monstruosité Trmumpsk, ce bigot tenant d’un obscurantisme plus proche d’un Main-de-Pierre attrapant sa femelle par la chatte que d’un brave dinosaure, cette force sombre et destructrice qui mène ces jours-ci, avec sa cravate aussi rouge qu’un T-Rex du diable, son pays et le monde au bord du chaos.